给游戏以灵魂。
整理/依光流
《极乐迪斯科》制作人曾分享一个观点：游戏里制作成本占比不到5%的音乐，往往能承载游戏30%的叙事功能，带给玩家更深层次的体验。可以说，没有音乐的游戏，就像没有色彩的画面，是缺少灵魂的。
过去十年里，随着中国游戏的发展，游戏音乐也逐步迈入玩家视野，尤其是MMO、二次元等大体量、重内容型产品的快速发展，催生了诸多优秀游戏音乐。
去年8月《黑神话：悟空》问世后，其快速出圈的音乐，再次证明了游戏音乐的潜在影响力。在游戏音乐步入大众视野的同时，游戏音乐产业也越发受到行业重视，似乎，中国游戏音乐和中国游戏一样，正迎来一个最好的时代。
前不久，由浪潮评委会发起、腾讯音乐娱乐集团主办的第三届浪潮创作人论坛在北京举行，期间主办方邀请了负责《黑神话：悟空》音乐制作的8082工作室两位创始人、为《天涯明月刀》《原神》等作品打造原声音乐的著名作曲家陈致逸，以及播客「不在场」主理人/机核电台常驻嘉宾重轻，以「重新理解游戏音乐与集体创作之美」为题特别策划了游戏音乐圆桌，探讨游戏音乐的行业前景。
胡璇（腾讯研究院高级研究员）：游戏音乐作为一种特殊的内容，它经历了怎样的发展，为什么在当下值得大家研究？
重轻（播客「不在场」主理人/机核电台常驻嘉宾）：游戏音乐的发展，其实是一个与科技紧紧纠缠的过程。八九十年代的游戏，会给人陈旧的印象，因为在那个年代，电子游戏的音乐和游戏本身一样，都是一个非常卑微的存在。
在游戏主机从8位到16位的漫长演变过程中，音乐都被压缩在两个方波、一个三角波这类非常小的通道里，以致于在《超级马里奥》《魂斗罗》这些游戏当中，人物跳跃或者吃蘑菇的音效，都会打断游戏的背景音乐。这时候的电子游戏和游戏音乐，更多像是玩家手里的魔方和玩具，无法承载足够有深度、足够丰富的情感。
现在我们来讨论游戏音乐，要意识到，游戏消费者始终生活在综合的跨媒介环境当中，无论是《原神》《天涯明月刀》还是《黑神话：悟空》，音乐都是它们当中不可分割的一部分，它对玩家的影响要远超行业过去的认知，因此游戏音乐不应该是一个边缘领域，而应该是一种核心领域。
胡璇：的确，游戏对玩家而言已经不是一种媒介，游戏音乐也不是游戏的子集。用《黑神话：悟空》制作人冯骥的一句话来说，游戏画面玩法等所有元素都很重要，但音乐让前面这一切都有了情感，对这款游戏来说，音乐让它拥有了灵魂。请问8082工作室的两位老师，中国游戏音乐行业的发展经历了怎样的变化？
李佳骐（声音设计师/音乐制作人/8082音频工作室创始人）：其实今天能在这里分享，我觉得挺感慨的。以前在流行音乐圈，我们签约了环球唱片、在天娱传媒写过很多歌，但后来我感觉自己很难再有建树，所以在流行音乐行业我像是一个逃兵，只是因为个人爱好是玩游戏，所以去给游戏公司做音乐了。
我没想到的是，当时的我只是放弃做歌曲、做配乐，只是给一些简单的休闲小游戏做音效，并且以为这就是我今后的职业，结果过了这么多年，国内游戏行业发展的这么快，技术快速提升、内容越做越大，让我们遇到了《黑神话：悟空》。在这个项目里，我就像是报复一样，发泄自己过去十几年的遗憾，最终《黑神话：悟空》里面有11首歌——很少有一款游戏有这么多原创歌曲。
其中做过体量最小的一款游戏是微信的《跳一跳》，总共10秒的音乐素材，还要拆分出5秒来做音效，结果这款游戏玩家量超过了10亿。
那时候就是这样，很多国内游戏项目的体量很小、内容量也很少，这时候的游戏音乐仍旧谈不上是一款作品，更像是按部就班的工业化产物。
最夸张的时候是13年~14年间，我们在半年里大概做了30款三消游戏的音效，需要的音乐素材变成了30秒音乐+30秒音效，包括头部的几款产品《开心消消乐》《天天爱消除》和《宾果消消消》，我们也只能想尽办法做得不一样。
接下来的几年里，游戏的体量越来越大，手机的算力越来越高，游戏音乐也慢慢有了更多的创作空间，尤其是《原神》这类产品。相对而言，《黑神话：悟空》跟国内数量庞大的手游项目不同，作为单机游戏，它有更完整的故事结构、有头有尾，在游戏音乐的制作上也会呈现出这种特质。
从制作水平来说，8082经历了启蒙到成长再到追赶的过程，如今依旧在追赶国际一线的游戏音乐作品，还谈不上赶超。
当然，在努力的过程中我们也遇到了很多问题，包括流程、结构、设计、人员分配等，以及跟乐手的合作、混音等方面，这些都与国外成熟团队有明显差距。
我还记得2010年的时候，国内做游戏音乐的从业者只有十几人，现在估计能有1000~2000人，等什么时候到10000人以上了，这个产业才可能真正成熟起来。
徐梧桐（音乐制作人/8082音频工作室创始人）：其实从制作上讲，传统唱片行业的工业化发展比较早，一些先进国家的工业化流程相对完整，这是值得我们学习的。
但游戏音乐制作方面，工业化只是一个标杆，实际制作可能由于游戏制作的各种影响因素和时间节点的影响，只能尽可能去执行流程，按照我们心中理想的方式做音乐。
其实给单机游戏做音乐，条件已经相当宽松了，起码它的时间能给得相对长一些，如果做移动游戏的音乐，定期的版本更新意味着游戏音乐的制作时间也要严格控制。
早期我们给游戏做音乐，生产方式非常简单，就是甲方下订单乙方照着订单做，不需要添加太多自己的想法，也无法参与到游戏的设计当中去。现在游戏音乐的生产方式变化很大，早期那种粗糙的方式已经很少见了，我们也能更早地介入项目。
比如《黑神话：悟空》这个项目，我们几乎是与游戏科学一起共创的方式，来设计音乐内容的。如果这个项目能成为业内的一个标杆，今后类似的创作方式也能催生更多优秀的游戏作品和游戏音乐。
胡璇： 游戏音乐不像传统音乐，它的独特之处是互动性非常强，请问陈致逸老师，你曾经制作过相当多不同类型的音乐，在接触游戏音乐后，你的创作有了哪些新的视角和尝试？
陈致逸（作曲家/音乐制作人）：我觉得游戏的包容性很强，可以容纳不同的音乐风格，带来广阔的创作空间。我擅长做古典乐、管弦乐和相关的配器，游戏配乐能包容多种音乐风格，如摇滚乐、爵士乐等，这带来很多施展空间和尝试的可能性。
通过《天涯明月刀》《原神》等游戏项目，我逐渐找到了属于我个人创作风格的印记——以中国作曲家的视角，把中国旋律、国风元素和西洋管弦乐融合在一起，同时也在尝试引入世界民族乐器，创作那种"不插电"的世界原声音乐。此外，通过游戏和世界级的乐团、乐手、指挥家、录音师合作，这大大提升了我的作品价值和成就感。
胡璇：请问8082的两位老师，中国音乐应该如何表达，一定要用中国乐器和中国元素吗？
李佳骐：在《黑神话：悟空》这个项目里，我们的确希望它的音乐能更加独特，能拉开差异度，避开国风、古风的刻板印象和标签。为此我们做过很多尝试，主要分为两类：一是寻找大家不太熟知的音乐形式，但要避免滥用和哗众取宠。二是采用更真实、更真诚的表达方式。
我们做了很多尝试，尤其在早期歌曲编曲和配乐的层面，抛开旋律、唱腔去听纯音乐和配乐的版本，然后思考，会发现其实弦乐也好、钢琴也好、吉他也好，这些都不是中式的音乐元素，但只要在旋律、音阶、鼓点、律动感、和声等方面运用了中式的表达方法，最终我们也能从作品当中感受到浓厚的中式音乐风格。
至于用不用古筝、笛子等中式乐器，这其实是一个选择问题，并非必要性的问题。就比如《不由己》这首曲子，编曲里没有中式民乐元素，但可以用和声、演唱、歌词来表达中式思考，所以陈老师的声音一出来，我们就能感受到那不是一首西式的歌曲。我们不会局限于学术化的中式思维，而是灵活利用中西乐器来表达歌曲。
当然，这种尝试也需要勇气，哪怕效果没那么好也要尝试。毕竟游戏音乐是游戏的一部分，只要游戏好玩，音乐有点瑕疵用户也能接受，所以大家可以更勇敢一点，更大胆一点。
此外，游戏音乐打磨得越完善，玩家越容易代入进来，那么游戏也有机会通过音乐，打破碎片化娱乐时代的焦虑感，这对音乐人来说，也是一种曲线救国的方式。
徐梧桐：我们之前总结过一句话：学习好莱坞，但是不成为好莱坞。西方乐手、乐团的统筹规划和最终呈现效果确实比国内目前要好很多，我们可以向他们学习，但不能在他们的游戏规则里玩。而是要把自己传统文化的东西，借助他们的载体顺畅地传播出去。
胡璇：请问重轻老师，在你看来好的游戏音乐有怎样的共同特征？
重轻：不同的音乐人，借助游戏媒介创作的东西都不一样。陈致逸老师的作品单独拿出来听，都是一张非常好的唱片，放到游戏里又与游戏非常契合。
《黑神话：悟空》的音乐则是和游戏紧紧咬合在一起，它的语境非常深，需要结合游戏里对应的要素去理解。游戏音乐的魅力就在这里，你可以通过游戏去创作独立的作品，也可以跟游戏相互成全、相互提升。
胡璇：游戏音乐的创作是一项共创的过程，请问李老师，游戏音乐的设计和创作过程有什么特点，在《黑神话：悟空》的项目中，你们又是如何争取和参与创作的？
李佳骐：这两年我参与了很多项目，已经不再独立负责唱片和单曲的制作，更多是负责集体创作和制作流程的把控。以前我们做游戏音乐，会聊需求、聊工作量、聊报价、聊工作周期，但忽略了最重要的一件事：跟制作方、导演成为好朋友。
在创作之外，你需要跟他一起共事，增进了解，那么在创作时，双方才能更好地配合。如果你只是按照需求表、几张概念图、一段视频去创作，你很难创作到这个集体的心坎里。
而成为好友，你可以更早地介入创作当中，融入制作团队里，从最原始的项目创作初期开始，成为游戏设计当中不可分割的一部分，而不是成为游戏制作里的某道工序。
站在创作者角度，好的音乐不是发布出来就完事了，我还希望能表演它、出它的实体专辑、做一些衍生的「整活」曲目，甚至这些不需要游戏方来买单。对于玩家而言，他们也会希望优秀的曲目变成歌曲，比如陕北说书就在玩家的呼声下，被我们制作成了歌曲。
当音乐制作人和游戏制作方成为了好朋友，游戏音乐的商业运作才有可能突破传统的壁垒，为游戏带来更多玩家的支持。这种合作模式下，音乐制作团队不再是游戏的外包和技术支持者，更是一同创作、一同推高游戏IP价值的合作伙伴，我认为这或许是未来游戏音乐的一种全新合作模式。
胡璇：接下来想请问陈老师，你在制作游戏音乐时也要身兼多任，你会如何平衡个人和团队的创作风格？
陈致逸：实际创作上确实会有些冲突。作为音乐制作人，我会负责搭建核心主题和旋律，然后带领团队把重要的音乐方向、节奏、变奏、编曲制作出来，保证音乐整体的风格足够统一和到位。但这个模式中，我不可避免的会变得强势，因此必然会打击到其他作曲人的创作积极性。
所以我必须足够强势且权威，来保证创作的专业性，同时又需要足够有亲和力跟个人魅力，来推动团队的顺利合作。有些时候遇到冲突，我会以自己的意见为主，毕竟我是音乐制作人。而为了确保团队每个人的成长空间，我也需要适应不同的作曲风格，融合并发挥大家的长处，这是一个不断学习、相互交流和成长的过程。
胡璇：徐老师在创作执行层面会面临哪些挑战？与上下游创作者的合作时有什么心得？
徐梧桐：挑战一直存在，每个阶段都不同。我们跟国内的乐团合作时，感觉某些乐器的演奏水平，相比国外乐团水平还是稍微差一点。
但与国外乐队也会产生新的问题，听得出来没有中国音乐的味道，在弦乐上用力过猛、聒噪，没有中国文化里的收放自如和内敛的细节，有些时候，他们的流程也会比较粗糙，很公式化。
在录《黑神话：悟空》的管弦乐时，我们尝试了很多方式，最终决定继续用中国乐团。其实中国乐团也有很多闪光点，比如民乐就很有特色，唢呐的陈力宝、古筝的丁雪儿、琵琶孟霄等几位老师，都非常有创意，甚至成了我们的灵感提款机。
往往针对一个早期的需求，比如心情低落的音乐，老师们能对应地创作出很多素材，这给我们后期音乐制作提供了很多参考。如果先做音乐再录素材，就可能限制他们的发挥。
所以现在我们会尽可能尝试新的办法，比如近期给大鹏导演的电影《长安的荔枝》的录制。毕竟我们不能因为中国乐手现在的水平还不好就成天找老外录，这等于一点锻炼的机会都不给自己人留，如果有机会、有能力，我们还是应该带着国内从业者一起成长。
李佳骐：就像打怪升级，国内音乐人需要更多的项目来练手，慢慢地积累经验升级。如果你让别家的满级号来杀10级、50级的项目，他都会觉得像砍瓜切菜，没有挑战也就没有热情。
换做我们国内正在练级追赶满级号的年轻人，他们更有热情，也会希望自己的作品被全世界玩家听到、玩到，因此他们会更加精益求精，哪怕作品会有瑕疵，但你的诚意和作品当中的情感，总会更胜一筹。所以我也给老徐很多类似的要求，尽管要投入更多时间跟国内的乐手磨合，但依旧不能着急，得一点点来。
重轻：我有种强烈的感受，游戏音乐行业正在经历很大的转变。以前游戏音乐这条产业链里每个环节都在考虑成本利益和效率，但这是一个过去的常态。
现在的项目变了，从成本论慢慢转变为作品论，所以产业链上每个环节，所有的从业者也有更高的心气，想把作品的质量打磨好。这反过来又会提高游戏的传播度、IP影响力，乃至最终收益，制作方也越来越相信这件事。
陈致逸：很简单，遇到困难，然后解决困难，享受解决困难以后得到的成就感，提升自我价值。
李佳骐：我们都是游戏从业者，很清楚自己喜欢什么、擅长什么。我喜欢打游戏、也喜欢音乐，把这两件事结合到一起成为我的工作，我就会觉得非常幸福。工作时遇到的困难就像游戏里的任务，克服困难完成任务一定有奖励等着我，拿到奖励我就能升级换装备。
徐梧桐：客观讲，我能看到自己作为音乐人的问题和瓶颈，能承受多大压力、能达到什么高度，如果分析下来结果不能突破瓶颈的时候，就赶紧找合作伙伴、成立团队、一起做事。很多音乐人都会疯狂地坚持，然后过得很惨，但凡事都要量力而行，不能因为硬上把项目搞砸了。
重轻：游戏音乐的制作就像爬塔，你需要不断设定目标，从作曲到项目管理，每个环节都有困难，等待音乐人来攻克——这是一个格外偏系统工程的事情，你要在自我表达的同时，与游戏制作方几百上千人的团队去平衡质量、时间和效率的问题。能克服重重困难诞生的游戏音乐，一定存在某种绝对的「闪光点」。
胡璇：今天最后一个关键问题，游戏音乐是否存在边界，如何跨过这条界限？
李佳骐：从约定俗成的行业角度看，游戏音乐存在边界，但从个人内心角度，喜好是不存在边界的，你喜欢音乐喜欢电影，就可以去做电影音乐，喜欢音乐和游戏，就可以去做游戏音乐，做音乐这件事始终在一个更宽泛的领域当中，每个音乐人在生活当中，也不可避免地深入游戏等不同的领域。
所以关键在于你是否喜欢它，是否愿意为它投入。如果不喜欢游戏，也不怎么玩游戏，那么自然很难把游戏音乐做好，这种情况就不适合硬上了。
陈致逸：游戏音乐在游戏行业非常重要，音乐有很强的传播属性，能让游戏IP增值。
高质量、旋律优秀、足够接地气的音乐，能配合游戏的市场宣发形成更好的传播效应，这也有利于IP生命力的增加，我认为这一点非常重要。因为好的音乐能够链接玩家和游戏的情感，哪怕玩家很久没玩游戏，当他听到熟悉旋律的时候，依旧会回想起游戏的点点滴滴。
重轻：记得《极乐迪斯科》的作者曾告诉我，游戏音乐在游戏体验当中的占比，能轻松达到30%以上，这导致游戏音乐带给玩家的情感连接会占据非常大的比重，但在他的项目预算里，游戏音乐的占比仅有1%左右，这非常吊诡。
游戏产业的全球规模接近2000亿美元，其中能影响玩家30%体验的内容，只是微不足道的一块拼图，但同样，正因为过往不受重视，游戏音乐在接下来的发展当中才有巨大的上升空间。
胡璇：那么游戏音乐与音乐行业如何加强合作、拓展合作模式？
李佳骐：核心还是希望更多音乐爱好者参与到游戏音乐的创作当中。过去游戏音乐经常会被标签化，但实际上《黑神话：悟空》这样的项目里也有很多影视化的表达，这与传统影视音乐的制作区别不大。不光是做哪个领域的音乐，更重要的还是掌握工具，从而掌握未来更多音乐内容的制作方法。
此外，音乐人也需要正视游戏。游戏涵盖面非常广泛，小到《跳一跳》大到3A作品，体量不一样，制作周期、表达内容都不一样。所以在进入游戏音乐领域之前，需要分清楚不同游戏的种类和内容占比，才能更好地与游戏合作。我以前谈合作，遇到歌手说不会给游戏唱歌，当时我看着手里的《黑神话：悟空》这个项目就很心塞，毕竟并非所有游戏都是一刀999。
重轻：其实《黑神话：悟空》这个项目在音乐方面的投入非常奢侈，音乐制作在游戏创作中被高度前置，在游戏只有概念图的时候，就引入了音乐团队配合创作。可以想象，音乐创作在启发和引导这样由数百人参与的游戏团队进行创作，这种统御能力就是音乐独有的力量。
在《黑神话：悟空》之后，很多游戏团队会找8082做陕北说书、Rap佛经，这还是把游戏音乐看成可以随意拼贴组合的一个积木和机械，其实不是这样的。电子游戏与音乐的咬合紧密度，在创作的每个环节都极高，甚至超过了电影，所以游戏公司、歌手和创作者需要深入理解其中机理，用相互信任、相互认可的方式合作。
胡璇：的确，游戏音乐这条路我们已经走了几十年，未来还有很长的路要走。希望未来有更多的音乐人、更多优秀项目和作品，以及玩家、平台、研究者和传播者，来为游戏音乐添砖加瓦。感谢四位嘉宾的分享！
游戏葡萄招聘内容编辑，
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